Watteau dipinse molto e trasse guadagni sostanziosi dalla sua pittura, probabilmente grazie alla spettacolarità delle sue opere di paesaggio, nelle quali, tuttavia, c’è poca traccia di stile barocco e di stile rococò. Il nostro artista non è portato alla decorazione né all’enfasi, preferendo concentrarsi sui moti del proprio animo di fronte ai soggetti. Qui si propongono: “La famiglia di Mezzettino”, anno 1717, olio su tela cm. 26x20, Wallace Collection, Londra e “Pellegrinaggio a Citera”, anno 1717, olio su tela, cm. 129x194, Louvre, Parigi (ne esiste una seconda versione, dell’anno dopo, custodita nel castello di Charlottenburg, a Berlino). Sono caratterizzati, specie il primo, da un’atmosfera malinconica, come se stessero arrivando tempi molto tristi. Mezzettino era una maschera teatrale creata da Angelo Costantini e divenuta famosa in poco tempo, come efficace scacciapensieri. La malinconia è soffusa nell’aria, impregna i vestiti degli attori e rivela la tristezza dietro i volti sorridenti. Era finita una civiltà millenaria e il futuro, con il suo materialismo volgare, non dava altrettanti garanzie civili. Watteau ci trasmette questa sensazione con estrema franchezza e con dolore trattenuto da un certo pudore intellettuale. Il “Pellegrinaggio a Citera” sembra un sogno recuperato con puntiglio e amore per la natura e i personaggi (a Citera, secondo la mitologia, era nata Afrodite, dea della bellezza). Un viaggio verso l’eden (o dall’eden, non si sa con sicurezza quale sia la versione esatta: in entrambi i casi è la malinconia per un possibile malessere esistenziale a dominare la scena).

Prima edizione nel 1667, ultima nel 1863, dopo la quale nacquero varie versioni espositive). L’ammirazione di re Luigi XV valse al nostro pittore l’assegnazione di un appartamento nel Louvre, dove restò sino alla morte. Ma la sua fortuna si deve al matrimonio con Françoise-Marguerite Pouget che lo introdusse nell’ambiente alto-borghese, osservando il quale egli si diede alla produzione di opere originali, rappresentanti i giovani di quel mondo intenti a passatempi ludici, neanche immaginabili nella bassa e media società.

Chardin fu attratto da questi esercizi oziosi, volgendoli tuttavia a favore di considerazioni vitali ed esistenziali di notevole profondità. E’ il caso soprattutto del “Bambino con la trottola”, anno 1737-38, olio su tela cm. 67x75, Louvre, Parigi. Mai un soggetto laico aveva ricevuto una tale attenzione e una tale intensità sentimentale, pur nel rispetto della realtà oggettiva (il bambino ha una precisa consistenza materiale, ma è pure condizionato da una certa spiritualità che si risolve negli effetti del gioco curioso che sta svolgendo, oppure che si svolge sotto i suoi occhi). Più votato al prodigio tecnico, a un virtuosismo però non fine a se stesso, è il quadro, olio su tela, “Le bolle di sapone”, anno 1734, cm. 93x74,5, National Gallery, Washington. Strepitosa la seconda figura che osserva con fatica, e con stupore, ciò che sta accadendo.

Chardin sposò le “Nature morte” (ma è migliore il termine “Still life” ovvero cose ancora vive) senza alcuna remora. Il tema non era considerato degno di nota, ai tempi. Si propone questo strabiliante “Paiolo di rame stagnato, macinapepe, porro, tre uova e tegame”, anno 1734-1735, olio su tavola, cm. 17x21, Louvre, Parigi. Gli oggetti sembrano animati, grazie al gioco di luci e ombre che, nel caso, pare prevalere sulla stessa abilità dell’artista, come se gli oggetti avessero chiesto di essere dipinti, di essere evidenziata la loro esteticità, in quanto strumenti legati all’uomo e alla natura (quest’ultima madre del tutto). Il nostro straordinario artista visse gli ultimi anni con problemi alla vista (per via dei pigmenti a base di piombo) e quindi si dedicò al pastello, dimostrando enorme bravura anche qui, come si evince da uno dei ritratti della moglie, anno 1775, pastello su carta cm. 47x38,5, Louvre, Parigi. Pochi artisti sono stati in possesso della sensibilità pittorica di Chardin, grandissimo talento naturale messo a disposizione della poesia e della razionalità allo stesso tempo. Le sue opere sono più vive della vita stessa.

Boucher aveva imparato da François Lemoyne, primo pittore di Francia, e da Joseph Aved (“Le camelot”, il venditore ambulante), vinse il Prix de Rome nel 1723 e, dopo aver conosciuto in Italia i dipinti del Correggio, del Veronese, del Guercino e del Tiepolo, traendone ispirazione nella rappresentazione dei volumi, delle atmosfere, divenne membro dell’Accademia e quindi primo pittore reale grazie anche all’aiuto della Pompadour (di cui fece un trascurabile ritratto). Boucher fu anche ottimo incisore, fornendo, tra l’altro, opere per libri di commedie di Molière ed eccelso disegnatore, molto ricercato nel campo degli arazzi. Di lui si propongono “Ragazza distesa” (forse Louise O’Murphy, amante per tre anni di Luigi XV), un tema ripetuto più volte, anno 1752, olio su tela, cm. 58,5x73, Alte Pinhakotek, Monaco e “Diana al bagno”, anno 1742, olio su tela cm. 57x73, Louvre, Parigi. Il secondo quadro testimonia il ricorso alla mitologia, soggetto quanto mai adatto a quell’ambiente nobiliare, felicemente irresponsabile in senso sociale. Boucher, comunque, vi aggiunge elementi da favola con brio e sensibilità ben oltre il dato carnevalesco. Nella ragazza distesa, il pittore fa sentire l’odore di cipria e fa apprezzare certa frivolezza attraverso un linguaggio carnale appena accennato.

Notevole l’atmosfera giocosa che attraversale sue opere, facendole consistenti come un sogno ideale. Fantastico il distacco dalla realtà e il sostare infinito in ambienti sovrumani, resi con felice disincanto e con desiderio d’incantesimo. Si veda “I fortunati casi dell’altalena” anno 1767, olio su tela, cm. 81x64, Wallace Collection, Londra. E’ un quadro particolarmente luminoso, animato, allegro e lievemente ironico, condiscendente. Fa eccezione, nelle sue opere, questa intitolata “La lettura”, anno 1776, olio su tela, cm. 82x65, National Gallery, Washington. Il personaggio è seriamente concentrato sul libro, il pittore coglie l’acme della concentrazione, trasmettendo una piacevolezza intellettuale che era sicuramente nelle sue corde: una virtù piuttosto vanificata dalle esigenze mercantili. Essendo un conservatore, Fragonard fu rovinato dalla rivoluzione francese. Jacques-Louis David, astro nascente della pittura europea, provò ad aiutarlo, ma non riuscì a salvarlo dalla miseria, lui che era stato ricchissimo.